TEATERETS 15 VIGTIGSTE EGENSKABER - KUNST - 2024

De fleste vigtige kendetegn ved teatret er tæt knyttet til de elementer der er fælles for enhver spiller eller ydeevne. Udtrykket teater har sin oprindelse i det græske ord theatron, som betyder et "sted at se på."

Derfor henviste teatret oprindeligt til både et sted og en bestemt form for opfattelse. I dag kan teaterbegrebet referere til: en bygning, en aktivitet ('gå til' eller 'gøre' teater), en institution og en kunstform.

Teater er en gren af ​​scenisk kunst relateret til skuespil og repræsentation af historier foran et levende publikum ved hjælp af en kombination af taler, gestus, kulisser, musik, lyde og brille, der søger at stimulere og begejstre seeren.

Sindet spiller også en vigtig rolle i teateret, da dette kunstneriske udtryk dekrypteres i henhold til tilskuerens opfattelse og fantasi.

Alle teaterstykker har fælles elementer, der kendetegner denne kunst. Nedenfor vil du være i stand til at se de mest fremtrædende funktioner mere detaljeret.

15 karakteristiske elementer i teatret

1- Plot

Kilde: Morruelo via Wikimedia Commons)

Det er, hvad der sker i arbejdet. Det henviser til handling. Organisering af begivenheder eller valg og rækkefølge af scener i et teaterstykke. Ifølge Aristoteles er det et abstrakt begreb, der henviser til disponeringen af ​​de hændelser, der udgør historiens råmateriale og komponenter.

Handlingen er den måde, disse hændelser er struktureret i en sammenhængende helhed. Hvis arrangementet af den originale ordre ændres, genereres en ny ramme. To typer af plot dominerer i teatret. Dernæst dens vigtigste egenskaber og differentierende elementer:

Opløsningsramme

• Handlingen begynder sent i historien, tættere på slutningen eller klimaks.
• Dækker en kort periode.
• Det indeholder et par solide og udvidede scener.
• Det forekommer i et begrænset sted, et værelse eller et hus.
• Antallet af tegn er meget begrænset.
• Der er få underplaner rejst.
• Handlingslinjen fortsætter i en kæde af årsag og virkning. Tegn og begivenheder hænger tæt sammen i en næsten uundgåelig række af logisk udvikling.

Afslør plot

• Handlingen begynder relativt tidligt i historien og bevæger sig gennem en række handlinger.
• Dækker lange perioder.
• Mange korte og fragmenterede scener eller skiftet mellem korte og lange scener.
• Det kan dække en hel by eller endda flere lande.
• Overflod af tegn.
• Ofte markeret af flere handlingstråde, flere parallelle historier.
• Scenerne er forbundet med hinanden. En begivenhed kan være resultatet af flere årsager eller ingen åbenbar årsag, men den opstår i et netværk af omstændigheder.

2- Emne

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

Mens handlingen henviser til skuespillets handling, henviser temaet til betydningen af ​​stykket. Nogle gange er det tydeligt angivet i titlen.

Andre gange kan det angives gennem dialog af en karakter, der fungerer som dramatikerens stemme. Undertiden er emnet mindre indlysende og opstår først efter at have analyseret arbejdet.

3- tegn

Det er de mennesker, dyr eller ideer, der er repræsenteret af skuespillerne i stykket. Strukturelt set er figurerne handlingsagenter, dem, der giver motivationen til, at begivenhederne i plotet skal finde sted.

Hver karakter skal have deres egen personlighed, alder, udseende, tro, socioøkonomisk baggrund og sprog. I henhold til deres funktioner i værket kan nogle typer karakterer beskrives:

• Hovedperson: Hovedpersonen.
• Antagonic: Hovedpersonens hovedmotstander.
• Modstykker: De afslører nogle aspekter af hovedpersonen ved at have lignende eller forskellige omstændigheder eller adfærd.

4- Script eller tekst

Dette er udgangspunktet for den teaterforestilling. Det er teksten, hvormed stykket oprettes. Det består af dialog, sceneinstruktioner, karakterbeskrivelser og lignende i et teaterstykke. Det henviser til de ord, der er skrevet af dramatiker og fortolket af karaktererne.

5 - Køn

Arbejdets karakteristiske klasse. Køn kommer fra et fransk ord, der betyder "kategori" eller "type." Valget af genre afspejler forfatterens synspunkt på emnet.

Følgende typer teaterstykker vises normalt i teatret: tragedie, komedie, melodrama og tragicomedy. Hver af disse genrer kan yderligere opdeles efter stil og indhold i:

Tragedie

Det er en efterligning af en handling, der er alvorlig, kompleks og relevant. Tragedie er af natur alvorlig i sit emne og beskæftiger sig med dybe problemer. Disse dybe emner er universelle og vekker medfølelse og frygt hos publikum, når de er vidne til handlingen.

Komedie

Hun har visionen om at få publikum til at grine, hun er normalt fysisk og energisk. Opførelsen af ​​de præsenterede figurer er latterlig og undertiden absurd. Det stimulerer publikum til at korrigere samfundets opførsel.

melodrama

Det er katastrofens drama, omstændigheder uden hovedpersonens kontrol forårsager plotets betydningsfulde begivenheder. Skyld og ansvarsaspekter ved hovedpersonen fjernes.

Hovedpersonen er et offer for omstændigheder. Melodramaen har en følelse af streng moralsk dømmekraft. Alle de forelagte spørgsmål løses på en veldefineret måde. Gode ​​karakterer belønnes, og dårlige karakterer straffes.

tragikomedie

Det er en afspejling af selve livet, det indeholder alle de tidligere genrer. Den foregiver ikke at dømme eller foretage absolutte afgørelser. Det fokuserer på karakterforhold og viser samfundet i en tilstand af kontinuerlig flux.

6- kostumer og makeup

De er elementer, der tjener til at karakterisere skuespillerne, når de genskaber en karakter.

Omklædningsrum

Henviser til tøj og tilbehør, der bæres på scenen af ​​en skuespiller eller kunstner. De gamle grækere var pionererne i udviklingen af ​​specifikke kostumer for hver karakter, denne kunst tjente til at genoplive middelalderen og repræsenterer store markiser for retten.

Makeup

Det er brugen af ​​kosmetik til ændring af skuespillerens fysiske udseende for at tilpasse sit udseende til en bestemt rolle eller for at kompensere for effekterne af scenebelysning.

Makeup-kunsten blev revolutioneret af introduktionen af ​​elektrisk og gasbelysning og er nu blevet en meget teknisk praksis.

7- Belysning og lydeffekter

Lysets placering, intensitet og farve såvel som lydeffekterne hjælper instruktøren med at kommunikere stemningen, stemningen eller følelsen i en scene.

Belysning blev anerkendt som et vigtigt træk ved teaterproduktionen, da indendørs forestillinger først blev givet i renæssancen, hvilket involverede brugen af ​​stearinlys og brændbare væsker.

Afgørende innovationer inden for belysningsteknologi omfattede introduktionen af ​​gulvlamper, brugen af ​​reflekser for at øge intensiteten af ​​lysstråler og dæmpningen af ​​lys i auditoriet i 1876.

Udviklingen af ​​gasbelysning i begyndelsen af ​​det 19. århundrede repræsenterede et stort fremskridt på trods af de involverede farer. Brugen af ​​elektrisk belysning begyndte på Californiens teater i San Francisco i 1879.

Dagens belysningssystemer i moderne teatre styres af yderst sofistikerede edb-dashboards, der kan koordinere belysningen i et helt system. Andre nyere innovationer har inkluderet eksperimenter med ultraviolet lys, lasere og holografi.

Lydeffekter er de lyde, der genereres for at ledsage en scene i et teaterstykke, som kan produceres af computere eller af skuespillere på og uden for scenen.

8- Direktør

Han er den person, der er ansvarlig for den samlede produktionsenhed og for at koordinere kunstnerens indsats. Instruktørens job er centrale i produktionen af ​​et teaterstykke, da det er instruktøren, der sætter visionen for produktionen for alle involverede.

Instruktøren har den udfordrende opgave at sammensætte mange komplekse stykker af en produktion: manuset, skuespillerne, kostumer, belysning, lyd og musik til en samlet helhed. For at udføre denne opgave har en manager brug for:

• Tolk scriptet.
• Samarbejd med designere.
• Planlæg prøverne.
• Vejled skuespillerne i deres arbejde under repetitioner.

Instruktørens arbejde er ofte baseret på en detaljeret undersøgelse og analyse af manuskriptet, der redigeres. Mange omhyggelige aflæsninger af manuset hjælper instruktøren med at udvikle et individuelt syn på dramatikerens intentioner. Din opfattelse vil påvirke ethvert aspekt af produktionen.

Instruktører studerer også karaktererne i manuskriptet og indsamler så meget information som muligt om deres fysiske og psykologiske egenskaber, hvilket er afgørende for valg af casting.

9- Høring

Kilde: Prosperoproducciones via Wikimedia Commons)

Gruppe af mennesker, der ser arbejdet. Mange dramatikere og skuespillere betragter publikum som det vigtigste element i teatret, da al indsatsen for at skrive og producere et teaterstykke er til glæde for publikum.

Fordi i teateret er tolkene i direkte tilstedeværelse med offentligheden, genereres en cirkulær strøm af energi, skuespilleren påvirker publikum og vice versa. Denne effekt forstærkes af det faktum, at teatret er en fælles begivenhed.

Gruppeoplevelsen er uundværlig, da gruppen styrker de følelser, som individet oplever, og skaber en kollektiv bevidsthed. Når en gruppe individer reagerer på en lignende måde som hvad der sker på scenen, bekræftes og styrkes deres forhold til andre.

Graden af ​​adskillelse mellem rollebesætningen og publikum er, hvad der adskiller konventionelt teater fra deltagende teater.

I det første bruger publikum deres fantasi til at deltage i stykket, mens de løsriver sig fra handlingen. I det andet interagerer skuespillerne med publikum, der prøver at følge et etableret og improviseret script, hvor de understreger personlig udvikling eller gruppeterapi.

I teatret bliver et publikum bedt om at acceptere mange slags imaginære verdener. En måde at differentiere disse imaginære verdener er at opdele dem i det, der kaldes realistisk og urealistisk teater.

Realismen, der blev den dominerende form for europæisk teater i slutningen af ​​det 19. århundrede, forsøger at genskabe livet så tæt, at publikum antager, at det skal være livet. Ikke-realisme på den anden side forsøger at overskride den observerede virkelighed og præsentere den del af livet, der findes i sindet.

Det er imidlertid en fejltagelse at antage, at disse to fremgangsmåder er gensidigt eksklusive. De fleste sceneoptræder indeholder en blanding af realistiske og urealistiske elementer.

10- Scenografi

Det tjener til at genskabe miljøet, hvor plottet finder sted, scenografien har følgende mål:

• Indstil tone og stil for produktionen.
• Bestem tid og sted.
• Adskiller realisme fra ikke-realisme.
• Koordiner landskabet med andre elementer.
• Håndter begrænsningerne af sceneplads og offstage-område.

Alle disse mål adresseres i flere møder mellem instruktøren, sætdesigneren og designteamet. Senere afspejles ideerne i skitser, der efter revisioner, analyse og ændringer gør det muligt at udtænke det sæt design, der bedst passer til historien og kreativets vision.

Når dette trin er afsluttet, leveres designerne til en teknisk direktør, der udfører de nødvendige konstruktioner, justeringer og installationer på scenen til materialisering af det planlagte.

11 - Fase

Det er det teaterudstyr, som gardiner, gulve, baggrunde eller platforme, der bruges i en dramatisk produktion.

12- Rekvisitter

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

Der er forskellige kategorier af rekvisitter. Meget af de håndholdte rekvisitter kommer fra scriptet og er instruktørkravede genstande. Sætdesigneren beder normalt også om rekvisitter såsom møblerne, der vises på scenen, nogle gange er der en fin skillelinje mellem denne type rekvisitter og scenografien.

Rekvisitter er alle bevægelige elementer, der vises under en forestilling, eksklusive kostumer og scene. Det er genstande, der er manipuleret af en eller flere skuespillere. En bog, en pistol, et glas vin, blandt andre.

13 - Retsakter

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

De repræsenterer en vigtig afdeling i udviklingen af ​​stykket. De fleste teaterstykker fra den Elizabethanske periode til det 19. århundrede blev opdelt i fem handlinger af dramatik eller af senere redaktører.

I slutningen af ​​det 19. århundrede begyndte mange forfattere at skrive fire-act-skuespil. I dag er en, to og tre handlinger de mest almindelige spil.

14- Teatre (bygning)

Det er det rum, hvor skuespillere eller publikum mødes. Det er vigtigt at have et område, hvor kunstneren, kunstneren, kommunikerer med et levende publikum.

Teaterbygninger udviklede sig fra frilufts-amfiteatret for grækere og romere til den utrolige mangfoldighed af former, som vi ser i dag. Det er et rum, der understøtter den følelsesmæssige udveksling mellem rollebesætningen og publikum.

15 - konvention

Kilde: Alain Chaviano via Wikimedia Commons)

En teaterkonvention er et praktisk værktøj, som dramatikeren eller instruktøren bruger til at fortælle historien om teaterstykket. Den mest almindelige teaterkonvention er, at karaktererne taler med hinanden og foregiver ikke at lægge mærke til publikum.

Ofte kaldet fjerde væg eller fjerde skærm konvention, det simulerer eksistensen af ​​en (usynlig) opdeling mellem skuespillerne og publikum.

Teaterets oprindelse og historiske udvikling

Hvornår nøjagtigt teatret begyndte er et mysterium. Forhistoriske jægere spillede historier om deres jagtekspeditioner. De gamle egyptere fremførte hellige sange og dansede for deres guder i religiøse ceremonier. Men ideen om teater som dramatisk underholdning kom senere.

Det er kendt, at de engelske ord for tragedie og komedie kommer fra sproget i de gamle grækere. Selvom grækerne ikke var de første til at fremføre skuespil, var de meget interesseret i oprindelsen af ​​tragedie og komedie.

I deres skrifter foreslog filosofen Aristoteles og andre græske forfattere teorier og skabte hypoteser om, hvordan teatrets kunstform udviklede sig.

Græske teaterstykker blev fremført i frilufts teatre. Først var teatre i åbne områder beliggende i centrum af byen eller ved siden af ​​bjergskråninger. Publikum var klar til at lytte og se koret synge om eventyrene for en gud eller en helt.

Mod slutningen af ​​det 6. århundrede f.Kr. C. teatrale strukturer blev mere detaljerede. Efterhånden som teatret blev mere og mere populært og konkurrencedygtigt blandt byer, blev teatre større med strukturer, der kunne rumme op til 15.000 mennesker ad gangen.

Teateret har eksisteret siden folk først mødtes for at høre nogen anden fortælle en historie. Venner og familie delte publikums og kunstnerens ansvar og byttede roller, så længe nogen havde en historie at dele.

Moderne teater kan være mere formelt, med skuespillere, der er trænet til at genskabe en historie og sofistikerede seere reagerer på en iscenesættelse, men ideen om at dele energier mellem rollebesætningen og et levende publikum forbliver uændret.

Referencer

1. Cameron, K. og Gillespie P. (1999). Teaterets glæde, 5. udgave. Boston: Allyn og Bacon.
2. Columbus State University: Betingelser for teatervurdering af Deb Moore. Gendannes fra: theater.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). En introduktion til teaterdesign. Oxon, Routledge.
4. Northern Virginia Community College: Introduktion til teater af Dr. Eric W. Trumbull. Gendannes fra: novaonline.nvcc.edu.
5. Wilson, E. (2010). Teateroplevelsen. New York, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Introduktion til teater: en direkte tilgang. Bloomington, Xlibris Corporation.